Escena remake - Sin aliento.

http://www.youtube.com/watch?v=PFF98dgvsdI&feature=youtu.be

ARTE KITSCH.

Palabra alemana de uso universal.

Cursi, de mal gusto.

Se denomina así a objetos caracterizados por supuesta inautenticidad estética y su formalismo efectista, que persigue una gran aceptación comercial.

El kitsch, como categoría artística, funciona dentro del contexto aristocrático -enjuiciador que determina un “buen” y un “mal” arte... cuanto más productos kitsch hayan, más brillará la apreciación de la autenticidad del arte, como sello de garantía del mismo.

De este modo, se establece que el kitsch no es algo simplemente alejado del arte, sino su antítesis: este estilo posee las características extrínsecas de aquél, pero funciona como su negación.

La esencia del kistch, para los moralistas del arte, consiste en la sustitución de la categoría ética con la categoría estética: el artista o realizador se impone generar no “un buen trabajo”, sino un trabajo “agradable” , dado que lo que más importa es el efecto. 

El kitsch, según el concepto común que se tiene del mismo, no pretende ni pide nada más a los espectadores que su dinero, ni siquiera su tiempo (tiempo aplicado a la reflexión de la obra, por ejemplo).

Aunque, aún hoy en día, todavía a la producción de kitsch se le mira en menos, considerándosele una forma de mentira artística, cabe resaltar que los intelectuales se encuentran en un proceso de re valoración de este estilo, preguntándose si existe efectivamente una diferencia real entre arte y kitsch; esto a raíz de, por ejemplo, la constatación de paralelos tales como que las vanguardias funcionan imitando los procesos del arte, y el kitsch imitando sus efectos, y de que el kitsch sería la otra cara de la moneda artística: en una sociedad en la que el único lenguaje estético que reciben las masas está modulado ‘en clave kitsch’, se debe reflexionar profundamente sobre su reivindicación.

De este modo, el “arte” y el “kitsch” comienzan a olvidarse como dos polos opuestos y antagónicos. 

www.Portal del arte.cl

Comercial y barato

El arte kitsch se asocia al consumismo, a lo hortera y lo cursi, al pop-art, al plástico, a la imitación barata, a lo decadente y también al sentimentalismo.

El arte kitsch es el 'todo vale' en colores, formas y estilosEstá muy presente en el arte moderno, por eso muchos se sorprenderán al saber que se remonta al siglo XIX. Entre 1860 y 1870 los pintores y comerciantes de Múnich (Alemania) utilizaban este término para designar el material artístico barato, como imágenes de baja calidad compradas como souvenirs por los turistas angloamericanos. Hay quien encuentra su origen en el verbo alemán verkitschen, que significa "fabricar barato", o enkitschen, que significa "recoger basura de la calle".

También tenía otra connotación: la de lo falso, una cosa que trata de aparentar otra de mejor calidad o superior. En este sentido, lo kitsch hacía referencia al gusto vulgar de la nueva y adinerada burguesía de Múnich a finales del siglo XIX, que copiaban hábitos y costumbres de las élites culturales en su afán por escalar socialmente. Esta tendencia se hizo aún más fuerte en California a principios del siglo XX, cuando el éxito de la industria cinematográfica creó una generación de nuevos ricos emigrantes que trataban de imitar a la nobleza europea comprando títulos y grandes mansiones que reconstruían piedra a piedra en América y en las que se mezclaban sin orden ni concierto estilos como el barroco, el gótico o el rococó, antigüedades chinas, tapices medievales e incluso falsos escudos nobiliarios.

Esta connotación de "lo falso" se ha extendido a los materiales que pretenden ser otra cosa, como la pintura dorada que imita el oro, el plástico que imita cristal o madera... Hoy en día el espíritu kitsch, tan opuesto al minimalismo, se ha extendido a otros ámbitos como la música, la moda, el cine y por su puesto, la decoración.

Todo vale

"El arte kitsch es el 'todo vale' en cuanto a colores, formas, estilos y volúmenes, mezclados sin ningún criterio aparente", explica Cristina Rodríguez Goitia, profesora de la Escuela Madrileña de Decoración, que impartirá las charlas del ciclo del Museo Cerralbo. "Tomados por separado, los elementos pueden no ser tan exagerados, pero unidos crean una redundancia de la exageración".

La directora de la Escuela, Raquel Simón, confirma que el kitsch está de plena actualidad: "En este momento se encuentra en la cresta de la ola, sobre todo por cierto revival retro. Actualmente, con la vuelta de todo lo ochentero, el kitsch tiene más fuerza que nunca, además permite mezclar estilos porque, aun cuando se están mezclando muchos elementos muy diferentes entre sí, todo encaja".

Warhol, Almodóvar y otros devotos

La singular estética de lo kitsch cuenta con grandes devotos. Andy Warhol es uno de sus iconos más reconocibles. Los artistas franceses Pierre et Gilles, con sus montajes religiosos y su homoerotismo; y la artista gala Soasig Chamaillard, con sus originales vírgenes, han hecho suya esta corriente. En España sedujo a la movida madrileña: Pedro Almodóvar ha plasmado este estilo en muchas de sus películas y la casa de la cantante Alaska y su marido, Mario Vaquerizo, es uno de los templos de arte kitsch más conocidos.

www.20minutos.es

Uso del término kitsch en argentina

El artista y mecenas checo-argentino Federico Jorge Klemm dedicó uno de los programas de su ciclo "El Banquete Telemático" a teorizar sobre el kitsch. El programa se denominó "Kultura Kitsch", fue emitido por la señal de cableCanal (Á) y conducido por Klemm junto al crítico y teórico Charlie Espartaco.

Klemm considera que el sentido original del término, como sinónimo de mal gusto, se ha desplazado hacia el de

"una categoría estética de nuestra contemporaneidad que no tiene que ver con una sistematización del mal gusto, sino con una exacerbación de lo artificial y lo desmesurado"

De esta forma, señala al kitsch como una actitud estética que pone en duda el gusto, como statu quo. Tal vez como una referencia tácita a su propia obra, Klemm sostiene que

"cuando se dice que una obra ronda el kitsch es como cuando se dice que ronda la genialidad o la grandeza".

Klemm señala a Disneylandia como el paraíso del kitsch y menciona a los surrealistas Salvador Dalí y René Magritte como los primeros en incorporar elementos de gusto dudoso en el arte. Durante el mismo programa, Charlie Espartaco señala que el kitsch, por su constitución, aparece como una estética de riesgo que incorpora todas las conquistas pictóricas, plásticas y estéticas creadas hasta ese momento.

Klemm menciona explícitamente al film protagonizado por la actriz argentina Isabel Sarli, La Dama Regresa, como un ícono kitsch de la cultura argentina, en el que él mismo participó como actor. Como artista, Federico Klemm realizó retratos de personajes como Susana Giménez, Mirtha Legrand o María Amalia Lacroze de Fortabat, de lo que puede deducirse cierto interés del autor en dichos personajes como íconos del kitsch argentino.

Otros personajes de la cultura y el espectáculo argentinos que pueden identificarse con el kitsch son Ante Garmaz, la condesa Eugenia de Chikoff o el cantante Sandro.

Durante la década de 1990 y a partir de la convertibilidad entre el peso argentino y el dólar, con el auge de las importaciones chinas aparecieron locales denominados "Todo por dos pesos" que contaban con una gran cantidad de objetos de decoración considerados kitsch, como copia de segunda mano.

Otras referencias al kitsch en la cultura argentina son:

§  The Kitsch Band, una banda de rock de la ciudad de Rosario, provincia de Santa Fe, Argentina.

§  El bloque KitschTV, del programa de televisión Duro de domar emitido por Canal 13 y conducido por Roberto Pettinato.

Wikipedia.com

Jeff Koons

 (York, Pennsylvania, 1955) es un artista estadounidense. Su obra se destaca por el uso del kitsch y su frecuente monumentalidad.

Obra

Clasificada a veces como minimalista y Neo-pop, su obra consistía inicialmente en escultura conceptual que fue adquiriendo monumentalidad (Puppy). A la fecha, Koons ha incursionado en la escultura de instalación, la pintura, y la fotografía.

Jeff koons aparece como artista en la década de los 80, en plena época consumista, donde la exaltación de lo superfluo es evidente. Hay que recordar que no carece de grandes polémicas a lo largo de su vida. De todo el gran ámbito consumista surge su obra, la cual pretende conmover y criticar esto de forma perturbadora y a la vez con un toque de humor un tanto malévolo. Entra aquí igualmente la influencia de los medios, que se aprovechan totalmente del despilfarro de la masa. Utiliza objetos cotidianos y de valor mínimo para conseguir su objetivo, al igual que hizo Duchamp, colocándolos en galerías iluminados y carentes de su antigua función. También son frecuentes en algunas de sus obras chicas pin up, juguetes hinchables y demás objetos de la clase media. La idea es la principal característica que debe coronar a la obra. Sus objetos provocan una especie de burla la cual va encaminada directamente hacia la influencia de la mayoría de la población por los mass media y la publicidad.

CORTOMETRAJE EXPERIMENTAL NO NARRATIVO - MONTAJE.

DESCRIPCION.

En este corto experimental lo que intento o busco plasmar en imágenes es una de las capacidades mas importantes del ser humano pero que a su vez no es tan valorada como debería ser, me refiero al sentido del tacto.

La motivación principal de esto es muy personal, acostumbro normalmente a investigar (si es que es esta la palabra indicada) que se siente? O que no se siente? Cuando toco o acaricio algo en particular. Hay muchas cosas de mi diario común que cuando las veo me es imposible dejar de tocarlas asi ya lo haya hecho y es precisamente por esta cuestión de querer saber si se siente o no algo especifico o si lo que se siente es lo mismo que la vez anterior… creo que esto también es por mi personalidad curiosa y algo obsesiva de querer saber a detalle cosas tan simples como esta.

Pretendo recurrir a esas cosas que como dije anteriormente hacen parte de mi día a día y que despiertan mi interés y por otro lado  buscar otras que de alguna manera sean atractivas visualmente, algunos ejemplos pueden ser:

Cable de electricidad (diferentes colores).

-   

a 

   Agua con aceite.

a   Humo de cigarrillo.

-     Harina mezclada.

-   Bananos.

 La idea es mostrar en planos detalle que varíen desde sus angulaciones diferentes tipos de manos tocando y haciendo formas abstractas con los elementos a usar, empezando con una paleta de blanco-gris-negro y que con el desarrollo haya una irrupción de color notoria.

  Dentro de esta propuesta está también poder intervenir con algo de stop motion, de manera sencilla y que aporte cierto dinamismo que busco en las escenas.

ELEMENTO DE TRABAJO.

  Si esta la posibilidad de trabajar con una cámara de fotos canon 5000 se hará con la misma (esto depende de un amigo y su disponibilidad) si no, se usara una cámara de fotos de mediana resolucion. En todo caso será imagen en movimiento.

REFERENCIA VISUAL/VANGUARDIA ARTISTICA.

  Para este trabajo experimental quiero inclinarme por lo abstracto, por una captura de imagen abstracta donde no se pierda la afinidad con la realidad pero que permita un abandono a la reproducción exacta de la misma; donde haya diferentes posibilidades de perspectiva, que el registro de los detalles no sea matemático y la presentación de poses y movimientos sean casi una improvisación.

  Mi propuesta apunta a una casi renuncia del reconocimiento del objeto, manteniendo cierta fidelidad al color y no tanto a la precisión del detalle.

  Todo esto teniendo en cuenta que con la evolución del ARTE ABSTRACTO y la búsqueda de formas de expresión mas místicas nace este tipo de representación que hace referencia al valor esencial de la imagen.

  Artistas fotógrafos como carl struwe, jaroslav rossler, cesar domela y raul hausmann utilizaron esta búsqueda para aportar una nueva visión del mundo y experimentar nuevas posibilidades, artistas que con sus cámaras obtuvieron imágenes sin ningún tipo de intervención y jugaron con la dualidad tonal, la transparencia y los volúmenes.

  Carl struwe: 

  Jaroslav rossler: 

-   Cesar domela: 

PROPUESTA SONORA.

  Los sonidos a usar serán de tipo industrial y electrónicos, que algunas veces irán coordinados con el movimiento en la escena y otras no.

  Sonidos que varíen de agudos a graves.

  Una referencia puede ser: 

h    ttp://www.youtube.com/watch?v=OXSdbmIh0VA

PROPUESTA MONTAJE.

  Para la etapa de montaje la idea es saturar el color de algunos planos.

  Los modos de transición serán tanto corte directo como fundido a negro, este especialmente para el momento de irrupción de color.

  Los planos tendrán duración de segundos, es decir cortos para aportar mayor dinamismo.

PACIFIC 231 (1949) - JEAN MITRY.

Jean Mitry: fue el primer profesor de cine de la Universidad de París y un teórico cuyos trabajos tuvieron un gran impacto en la teoría cinematográfica, sobre todo su obra magna, Estética y psicología del cine, que es el estudio más sistemático y pormenorizado a nivel general de todos los problemas y las cuestiones relativas al cine. Acercó en su figura premisas formalistas y conceptos realistas. Su intención era acercarse del modo más científico posible al cine. Su teoría se basa en las dos palabras que componen el título de su libro: estética y psicología. Mitry comprendía el cine como una forma estética que utiliza la imagen como medio de expresión y cuya sucesión es un lenguaje. Preguntas texto kracauer:
1- donde tiene su origen el cine experimental?
2-cuales eran las intenciones que guiaban a un director de la avant-garde?
3-nombre 3 films caracteristicos de la avant-garde.
4-cual era la relacion de la avant-garde con el surrealismo?

pacific 231 :

Preguntas texto kracauer:


1- donde tiene su origen el cine experimental?
2-cuales eran las intenciones que guiaban a un director de la avant-garde?
3-nombre 3 films caracteristicos de la avant-garde.
4-cual era la relacion de la avant-garde con el surrealismo?

DCP (montaje)

¿Qué es el DCP?

DCP son las siglas de Digital Cinema Package. Es el sistema usado actualmente en proyección digital 2D y 3D en cines. Soporta resoluciones 2K y 4K a 24 y 48 FPS, diferentes “capas” de subtítulos, múltiples audios y formatos de imagen (Flat, Full y Scope). El sistema de audio usado es totalmente puro, sin compresión alguna, mientras que en el caso de la imagen, se usa la compresión Jpeg2000 con codificación de color XYZ, a un bitrate máximo de 250 Megabits (25 MegaBytes) por segundo.

¿Cuáles son sus ventajas frente al sistema 35mm?

La principal ventaja es que mientras el pase consecutivo de las copias en 35mm genera polvo, rayaduras, suciedad, descompensación, etc…en el sistema digital todo es perfecto todas las veces. La resolución efectiva en ambos formatos es la misma, siendo mucho más nítida en el caso de la proyección digital. También, permite la reproducción de formato 3D usando un sistema de doble imagen, combinando con gafas 3D, otorgando gran calidad de proyección. Otras ventajas son que los bordes de la proyección son absolutamente nítidos, y es totalmente homogenea de principio a fín.

¿Cuál es el futuro de este sistema?

Nadie lo sabe con exactitud. Se habla de al menos 15 años hasta desarrollar un nuevo sistema digital de proyección. Será la evolución del DCP, y desde luego debería ser compatible con los servidores y proyectores actuales. En ese sentido, Texas Instruments ha presentado su nuevo Chip 4K, que se puede poner en los proyectores digitales de segunda generación que actualmente tienen el chip 2K. Los servidores actuales permiten reproducir material 4K sin problemas, y de hecho se empiezan a recibir ya alguna película en esa resolución, que aún siendo proyectada en 2K, se obtiene la máxima resolución de proyección posible del formato.

De aquí a 5 años probablemente la mitad de las películas digitales serán en 4K, e imagino que el siguiente paso será el 4K 3D (norma aún no creada). También, por flexibilidad, el poder reproducir a 25 o 30 FPS, algo que aunque técnicamente es posible, las normas aún no están definidas, pero pronto estarán disponibles estas mejoras (quizás a finales de año).

 ¿Ayudará el DCP a reducir los costos de las salas de cine?  Debería. El principal problema es el coste del proyector y el servidor. Para eso, las grandes distribuidoras se han inventado lo que se llama el “VIRTUAL PRINT FEE”, una especie de “canon” que permite sufragar la inversión del proyector y servidor, a costa de no poder proyectar otros contenidos alternativos, so pena de penalización. Eso significa que productos como cortometrajes, cine independiente, documentales y proyecciones privadas, verían mermadas sus posibilidades de poder proyectar en digital.

Para un productor independiente o un cortometrajista, el realizar una copia Digital (DCP) es mucho más barato que realizarla en 35mm. Además, cada copia adicional sale por un precio irrisorio, y en el caso de los 35mm cada copia cuesta lo mismo.

Para finalizar, el soporte es infinitamente más pequeño, versatil y menos costoso de enviar. En un simple pendrive de 16GB caben 15 minutos de CINE DIGITAL

fuente: www.Cibredroide.com

Raoul Coutard - Director de fotografia.

16 de septiembre de 1924(87 años)  - París , Francia




Con una filmografía de más de 80 películas -tres de ellas como director- hay una constante que se repite en todas ellas, en palabras del propio Raoul Coutard: "Siempre he sentido que cuando decides hacer un film ha de ser como una historia de amor. Tienes que querer al director, al guión, y tener mucho en común con el equipo. El film sólo funciona si es una historia de amor. Si no lo es, no te molestes en hacerlo. Y no es que esto quiera decir que el film va a ser bueno. Las historias de amor no siempre son felices".


En sus primeras experiencias con una cámara le influyen enormemente el trabajo de los nuevos fotógrafos de la agencia Magnum, sobre todo Ernst Haas.


En Francia realiza lo que él mismo reconoce como "fotos horribles" para prensa, así como fotos para fotonovelas, lo que según Coutard "es un poco como rodar, ya que implica un montaje al fraccionar en fotos las escenas". En aquella época sus intereses están en el reportaje periodístico pero el destino le une a Pierre Schoendoerffer, un amigo de los tiempos de Vietnam que realiza largometrajes documentales, con el que trabaja como cameraman. El debut en el cine le llega cuando el productor Georges de Beauregard le propone ser el director de fotografía de un debutante, un tal Jean-Luc Godard y A bout de souffle. Con él establecería Coutard una fructífera colaboración que dará sus frutos con una serie de títulos como Une femme est une femme(1961), Vivre sa vie (1962), Le mèpris (1963), Les carabiniers (1963), Bande à part (1964), Pierrot le fou(1965), Deux ou troi choses que je sais d'elle (1966), La chinoise (1967), Weekend (1967), Prenom: Carmen(1983). El rodaje de A bout de souffle supuso en su momento toda una innovación. Nadie se había propuesto hasta entonces rodar toda una película cámara en mano y sin ayudarse de la iluminación artificial, utilizando sólo luz natural. La idea era lograr una fotografía más realista. El estilo radical de la película se nos presenta totalmente actual más de 40 años después de haberse filmado. 

Raoul Coutard experimentó nuevos métodos para acompañar las innovaciones formales de Godard en la puesta en escena. El estilo espontáneo, y en cierta manera caótico, del director franco-suizo vino como anillo al dedo para que Coutard ensayase nuevas formas.

Además de introducir la cámara en mano en el cine francés, Raoul Coutard reinventó el movimiento de la dolly. Fue director de fotografía para Truffaut en cuatro películas: Tirad sobre el pianista (1960), Jules et Jim (1961), La piel suave (1964) y La novia vestía de negro (1967). Conforme los directores de la Nouvelle Vague fueron madurando sus propuestas, con más tiempo de rodaje y mayores presupuestos, aumentó la importancia de imágenes más elaboradas. Ello permite a Raoul Coutard un mayor nivel de sofisticación en su forma de iluminar, algo más en consonancia con sus gustos personales. En Lola (1961), opera prima de Jacques Demy, mezcla su propio estilo de iluminación de los techos con una luz más directa. En 1965 retorna a sus inicios con el cine documental en la zona de Indochina con Schoendoerffer, en The 317th Section rodada en la neutral Camboya en los duros tiempos de la guerra de Vietnam. Con el director griego Costa Gavras compone una fotografía de iluminación expresionista en dos films: el thriller político Z (1969) y muy especialmente en La confesión (1970) película en la que trabaja las penumbras.

fuente: http://leolo-eloy.blogspot.com.ar/2009/09/raoul-coutard-el-fotografo-de-la.html